01. Nobody likes an a-hole ...Reality check:
Most musicians don't give a damn whether you're the second coming of Jimi, Eddie or Buck Dharma. They just want someone with a good attitude who will play the parts correctly. And since most of your time is spent offstage, relating with the other musicians on a personal level becomes as important as relating to them musically. Remember-no one is indispensable. Just ask David Lee Roth.
02. Having a great feel is your most important musical asset.
No one will want to play with you if you have bad time. You must have a great feel-it's that simple. By "great feel" I mean the ability to lock in with the rhythm section and produce a track that grooves. If there's one thing I would recommend you to constantly work on, it's developing your groove. Listen to the greats to learn how grooves should be played: from rock (Led Zeppelin's "Whole Lotta Love" to 16th-note funk (James Brown's "Sex Machine") to blues shuffle ("Pride and Joy" by Stevie Ray Vaughan). Tape yourself (with a metronome) playing them-you'll be able to isolate and work on your problem areas. Or pick up the excellent JamTrax series (Music Sales), a series of play-along tapes covering everything from blues to alternative to metal, to stay in shape. This is the one area where you should be most brutal in your self-assessment. You'll be a much better player for it.
03. Develop your own sound
There's no better way to learn how to play than to cop licks from your favorite guitarists. The problem to watch out for is when you start sounding too much like your favorite player. Remember, rules, especially musical rules, are made to be broken.
04. Be on time
You wouldn't believe how many musicians don't believe that punctuality is important. It is crucial.
05. Listen, listen, listen!
When you're on stage or in the studio, don't be in your own world-listen and interact with the other musicians you're working with. React to what they're playing. Don't play too loud or get in the way when someone else is soloing. Put their egos ahead of yours-your number will always be called if the other musicians feel that you made them sound better.
06. Know what you want to be
The most successful people in the music business are totally focused-they have specific goals in mind and do whatever is necessary to achieve them. The simple realization that you don't have to be a musician to be a rock star and don't have to be a rock star to be a musician can spare you years of cynicism and bitterness.
07. Play for the song, not for yourself
It's imperative to play what's idiomatically correct. For example, don't play Yngwie licks on Bush's "Glycerine" or a noodly jazz solo on Soundgarden's "Outshined," no matter how much it impresses you. I learned this the hard way while auditioning for a punk singer. I thought I'd show her what a good, well-rounded musician I was and ended a thrash song in A with an Am(add9) chord, instead of a more appropriate A5. I was promptly shown the door.
08. Play with musicians who are better (and better known) than you
There's no faster way to improve and jump up to the next level than to play with great musicians. You'll learn the tricks of the trade, and pick up on their years of experience in the trenches, as well. But if you want to be a star, there's no better way to kick-start your career than by ingratiating yourself with someone famous and be seen sycophantically swilling drinks with him or her at the coolest bar in town.
09. Less is more
Most players you hear or read about pay lip service to what has become the guitardom's ultimate cliché. The fact is, though, what's glibly easy to say is not necessarily easy to do. I learned this on a gig backing up a singer on a cruise ship (It was the actual "Love Boat!"). Back then, I couldn't read music or play over changes very well, so during the first show, in abject fear, I played very sparsely-only what I was sure would work. After the show, the singer told me she had never worked with so sensitive an accompanist.
10. Image does matter This is one of the sad truths about the music business. The good news, however, is that not every musical situation calls for the same image. So use some common sense-if you're going to be auditioning for a wimpy jangle band, don't come dressed like a Marilyn Manson cast-off.
11. It's essential to have a great touch, or vibrato
There are players who say it took them 10-15 years to develop a great vibrato. They're the lucky ones-most never find it. Your touch is like your fingerprints-it's what distinguishes your blues playing, for instance, from that of countless other guitarists. Think of B.B. King or Jimi Hendrix-they are instantly recognizable. There are two main types of vibrato: one generated by the wrist (a la Hendrix and B.B. King) and the other from the fingers (favored more by classical guitarists). To determine which type works for you, check out your favorite guitarists' vibratos and try to imitate them. You can also pick up B.B. King's video Bluesmaster (Volume 1) to see his unique "bee-sting" vibrato demonstrated in-depth.
12. Get your sound/tone together
I can't emphasize enough how important this is. Know your gear well enough so that it works for you, not against you. For example, if you're looking for a Stevie Ray tone, you won't get it with a Les Paul going through a Marshall. You'll need a Strat running through a Fender Bassman (with an Ibanez Tube Screamer for extra punch). Unless you're a studio tech-head, a great guitar and amp (with an overdrive or chorus pedal) will probably sound 10 times better than a refrigerator full of rack-mounted shit (believe me, I've been there).
13. Practice what you don't know, not what you do know
In order to improve, you must practice. That sounds frightening, but let me reassure you that good practicing doesn't necessarily entail sitting grimly in a basement (while the other kids are outside playing), mindlessly running scales and arpeggios-you can get all the technique you need by learning licks from your favorite guitarists. For example, Eric Johnson's intro to "Cliffs of Dover" is a veritable lexicon of minor-pentatonic ideas. Here are the three axioms of good practicing:
A. Master small bits of music first (no more than four to eight notes at a time), then connect them to form longer passages.
B. Start out playing new ideas at a slow tempo (this builds muscle memory), then gradually work up to speed. It's much better to play slow and clean than fast and sloppy.
C. Always practice with a metronome
14. Get your business chops together
Business chops are just as important as musical ones, if not more so. If you want to make money as a musician, you have to start seeing yourself as a business and your music as a product. Acting against the stereotype of a musician (you know — stupid, drunk and gullible), as hard as that may be, will show club owners and record execs that you're not a pushover.
15. Be fluent with both major and minor pentatonic scales
In rock, pop, blues or country situations, knowing these scales will enable you to get by 80 percent of the time. I heartily recommend my book Practical Pentatonics (Music Sales)-a nifty little volume that covers just about all you need to know to be comfortable using the pentatonic scale in real-life gigging situations.
16. As soon as you learn something cool, apply it immediately to a real-life musical situation
Many guitarists learn tons of licks that sound great when played in the practice room. But the minute they get on stage, they have a hard time integrating this new material into their playing. Before you learn something new, you should have an idea where you could fit it in.
17. Learn as many melodies as you can
Not only does learning melodies to tunes (any tunes) increase your repertoire, it also (subconsciously) gives you an incredibly distinct edge in developing your phrasing. Ideally, you should be able to duplicate any melody you hear.
A. Listen to how singers interpret melodies and try to mimic their phrasing on the guitar.
B. Try to play back any, and I mean any, melody you hear-be it a TV commercial, nursery rhyme or the Mister Softee ice cream truck theme.
C. Always learn a melody on more than one place on the guitar neck. You want to play the melody, not have the melody play you.
18. Know your place
When a bandleader asks you to play something a certain way, smile and do it! Don't argue. Don't pout. Don't think you know better. Don't be an asshole. You'll have plenty of time to be in charge when your three-disk epic rock opera adaptation of The Jeffersons gets picked up.
19. Contrary to popular belief, taking lessons and listening to other styles of music doesn't hurt
It never hurts to broaden your scope, no matter how great a player you already are or how much you think you've already learned all there is to know. Opening your mind to other styles and techniques makes you a better, more well-rounded musician. Period. A great teacher can inspire and enable you to develop as a creative, exciting player.
20. Learn as many tunes as possible, from start to finish
It doesn't matter what style you like to play in, the more tunes you know, the easier it is to get a gig or kick ass on a jam session. And there's no excuse for not doing it-even if you're not at the point where you can learn tunes off the recording, you can avail yourself of the hundreds of transcription books out there. Heck, you can learn five new tunes a month just by reading Guitar World!
21. Develop authority as a player
You have to get to the point where you feel as creatively comfortable in front of hundreds of people as you do in front of your sister and the dog. And the only way you can attain that authority is by putting in the time. Playing at home only gets you so far-it's imperative that you play out as soon as you can. Attend jam sessions. Take less-than-ideal gigs, just for the experience. Take any gigs, for that matter-it's the experience that counts!
22. Hang out with other musicians
The best way to get contacts and gigs is to be seen and heard. How can anyone recommend you if they don't know who you are? As unpleasant and greasy as this may sound, do your best to befriend other guitarists. Though there's intense competition amongst players, most of your work will come as a result of recommendations made by other guitarists.
23. Know the fundamentals
Being able to hear common chord changes will help you learn tunes off the radio faster. Knowing a little basic theory will help you with your songwriting and your ability to intuitively come up with rhythm parts. For example, knowing that the harmonic structure of most blues tunes is I-IV-V (C-F-G) and that early rock ballads were usually built on I-vi-IV-V progressions (C-Am-F-G) will help you to play just about any tune in those genres or compose one of your own. One more plug: you also might want to check out my book The Advanced Guitar Case Chord Book (Music Sales) to get an idea of how to apply cool chord voicings to common progressions in all types of music.
24. Be careful out there
As soon as you or your band become somewhat popular, all sorts of characters are going to start crawling out of the gutter with designs on you. Have fun, but don't go overboard. And always keep an eye on your equipment-it's your life's blood. And try to save some cash.
25. Don't s#!t where you eat
Don't f*** the singer. Don't fuck the drummer's girlfriend. Don't f*** the drummer's dog. Don't f*** the drummer. Don't backstab your bandmates. Don't pocket tips. Don't be an a-hole!
sábado, 2 de agosto de 2014
terça-feira, 10 de junho de 2014
17 Ways to Kill a Music Career...
(1) Having a shitty, entitled attitude.
If you’re showing up late for gigs, not rehearsing, not supporting your scene, being a dick to your band-mates, and not working slavishly to cultivate your audience online and off, you’re doing a great job of killing your potential career. Now more than ever, the future doesn’t belong to bands that have crappy work ethics.
(2) Being addicted to any substance.
Everyone makes their own choices about drugs, including alcohol. But when those choices downwardly spiral into full-blown addiction, it can quickly threaten the survival of a band. Irritability, missed appointments, detachment, and unexplained absences are the better outcomes; problems with the law, missed shows, stealing from bandmates, violence and death are where things inevitably end if left unchecked.
(3) Relying on a label, manager or anyone besides yourself to build your career.
Even with a label deal, bands can find themselves de-prioritized, or flat-out ignored. But these days labels rarely sign bands that aren’t successfully working and developing their audiences to begin with. Which means that DIY isn’t some alternative approach, it’s essential for the survival, breakthrough, and growth of any artist.
(4) Choosing a name that another band is using.
The costs of picking a name that is already being used include fan confusion, extreme difficulty growing your brand, and lawsuits. So before you pick a name, Google it, check ReverbNation, even check on MySpace. After that, do a trademark search.
(5) Not having a serious web presence.
It’s impossible to be everywhere, but you need to try. That not only means hitting all the usual (and massive) suspects like Facebook, Twitter, and YouTube, but infiltrating sites that attract your target demographic. It also means interacting with the non-stop flow of fans, as much as you possibly can.
Because if you’re not there, eventually they won’t be, either.
(6) Not selling merchandise.
If you’re not setting up a stand at all shows possible with a full range of merchandise, you’re missing out on income that could fill your gas tank and pay for meals (i.e., stuff you need to survive). And if you’re not working the crowd (on-stage and off) and putting the stand in a prominent, well-lit place with credit card processing capabilities, you’re missing out on even more money.
(7) Not touring.
Some artists, like Zoe Keating, make a bulk of their earnings from recordings. But that is getting harder and harder to do, especially as the recording continues to devaluate. Which means if you can’t tour, you’re probably cutting off a huge revenue source.
(8) Making music that sucks.
Forget about sucking: if your music isn’t outrageously great in the eyes of a significant fan base, major changes need to be made. That includes scrapping the band and starting another one.
(9) Choosing band-mates that don’t share your work ethic, goals, or long-term vision.
A band is like a family, except that you can choose the members. If your bandmates aren’t working as hard as you are, aren’t as dedicated or simply aren’t team players, they will distract and drag down your chances of success in an extremely demanding and competitive environment.
(10) Not being completely available.
A good manager will feed you opportunities, online and off, because that’s what you paid him to do. You need to show up to them, and feed the momentum.
The era of the distanced, untouchable rock star has ended.
(11) Being in it ONLY for the money.
You’re delusional and will probably make more money working at McDonald’s. The reality of this business is that an extremely large percentage of artists are poor, and most of the successful ones were poor at one time. Which means if you’re not motivated by the the music, the passion to create and play, and the cameraderie of it all, you should honestly be doing something else.
(12) Paying to inflate; Twitter followers, Facebook likes, and YouTube views.
Labels, venues, and potential managers are all-too-familiar with these scams. But more importantly, paying for fake followers distracts precious resources away from developing organic fans, the lifeblood of any successful artist.
Without real fans, you don’t have a real band, period.
(13) Insisting on recording drunk or seriously high.
It takes twice as long and twice as much to record that way, and the results are half as good. Remember: a recording (whether a single, EP, album, or video) is a permanent record of your artistic accomplishment that can convert millions of fans for decades to come. A crappy recording rarely has the same power. Don't get stoned or drunk to record, ever!
(14) Giving away way too much free music.
This is an error that rappers frequently make, especially when it comes to mixtapes. Because not all of your music has to be free, at least the part that you control. Ultimately, rappers that fail the strategically use mixtapes to promote paid, more structured releases fail to;
(a) generate any meaningful income from their recordings;
(b) encourage their fan bases to pay (or at least give them the opportunity to pay); and
(c) create any meaningful sales record for prospective investors (like labels).
(15) Delivering crappy press-kits.
Venues and festivals typically have tens of thousands of applicants to sift through, and just a few slots to award. A powerful, well-crafted press kit dramatically increases the chances of getting the gig and catapulting a career; a mediocre kit almost guarantees a quick delete.
(16a) Paying to play shows.
This seems to be mostly happening in hip-hop, where shady promoters actually charge a rapper to open for a larger act or participate in a showcase. But this is absolutely the wrong direction to go, especially since it sacrifices real revenue for ‘exposure’ that they typically can’t afford, while the promoter reaps all the upside.
Avoid these deals at all cost, whatever that cost may be.
(16b) Paying to be mentioned on a show flyer.
Why would you do that? Stop the madness. Right now.
(17) Having a violent audience.
It’s hard enough to attract dedicated fans; it’s almost impossible to choose the fans you have. But fans that routinely start fights, incite violence, or bring weapons to shows can seriously threaten the survival of an artist, simply because venue owners and promoters will avoid this artist at all costs. Which means, effectively, you can’t show up for work.
You must develop a strategy to deal with this problem, or risk choking off a critical revenue source.
If you’re showing up late for gigs, not rehearsing, not supporting your scene, being a dick to your band-mates, and not working slavishly to cultivate your audience online and off, you’re doing a great job of killing your potential career. Now more than ever, the future doesn’t belong to bands that have crappy work ethics.
(2) Being addicted to any substance.
Everyone makes their own choices about drugs, including alcohol. But when those choices downwardly spiral into full-blown addiction, it can quickly threaten the survival of a band. Irritability, missed appointments, detachment, and unexplained absences are the better outcomes; problems with the law, missed shows, stealing from bandmates, violence and death are where things inevitably end if left unchecked.
(3) Relying on a label, manager or anyone besides yourself to build your career.
Even with a label deal, bands can find themselves de-prioritized, or flat-out ignored. But these days labels rarely sign bands that aren’t successfully working and developing their audiences to begin with. Which means that DIY isn’t some alternative approach, it’s essential for the survival, breakthrough, and growth of any artist.
(4) Choosing a name that another band is using.
The costs of picking a name that is already being used include fan confusion, extreme difficulty growing your brand, and lawsuits. So before you pick a name, Google it, check ReverbNation, even check on MySpace. After that, do a trademark search.
(5) Not having a serious web presence.
It’s impossible to be everywhere, but you need to try. That not only means hitting all the usual (and massive) suspects like Facebook, Twitter, and YouTube, but infiltrating sites that attract your target demographic. It also means interacting with the non-stop flow of fans, as much as you possibly can.
Because if you’re not there, eventually they won’t be, either.
(6) Not selling merchandise.
If you’re not setting up a stand at all shows possible with a full range of merchandise, you’re missing out on income that could fill your gas tank and pay for meals (i.e., stuff you need to survive). And if you’re not working the crowd (on-stage and off) and putting the stand in a prominent, well-lit place with credit card processing capabilities, you’re missing out on even more money.
(7) Not touring.
Some artists, like Zoe Keating, make a bulk of their earnings from recordings. But that is getting harder and harder to do, especially as the recording continues to devaluate. Which means if you can’t tour, you’re probably cutting off a huge revenue source.
(8) Making music that sucks.
Forget about sucking: if your music isn’t outrageously great in the eyes of a significant fan base, major changes need to be made. That includes scrapping the band and starting another one.
(9) Choosing band-mates that don’t share your work ethic, goals, or long-term vision.
A band is like a family, except that you can choose the members. If your bandmates aren’t working as hard as you are, aren’t as dedicated or simply aren’t team players, they will distract and drag down your chances of success in an extremely demanding and competitive environment.
(10) Not being completely available.
A good manager will feed you opportunities, online and off, because that’s what you paid him to do. You need to show up to them, and feed the momentum.
The era of the distanced, untouchable rock star has ended.
(11) Being in it ONLY for the money.
You’re delusional and will probably make more money working at McDonald’s. The reality of this business is that an extremely large percentage of artists are poor, and most of the successful ones were poor at one time. Which means if you’re not motivated by the the music, the passion to create and play, and the cameraderie of it all, you should honestly be doing something else.
(12) Paying to inflate; Twitter followers, Facebook likes, and YouTube views.
Labels, venues, and potential managers are all-too-familiar with these scams. But more importantly, paying for fake followers distracts precious resources away from developing organic fans, the lifeblood of any successful artist.
Without real fans, you don’t have a real band, period.
(13) Insisting on recording drunk or seriously high.
It takes twice as long and twice as much to record that way, and the results are half as good. Remember: a recording (whether a single, EP, album, or video) is a permanent record of your artistic accomplishment that can convert millions of fans for decades to come. A crappy recording rarely has the same power. Don't get stoned or drunk to record, ever!
(14) Giving away way too much free music.
This is an error that rappers frequently make, especially when it comes to mixtapes. Because not all of your music has to be free, at least the part that you control. Ultimately, rappers that fail the strategically use mixtapes to promote paid, more structured releases fail to;
(a) generate any meaningful income from their recordings;
(b) encourage their fan bases to pay (or at least give them the opportunity to pay); and
(c) create any meaningful sales record for prospective investors (like labels).
(15) Delivering crappy press-kits.
Venues and festivals typically have tens of thousands of applicants to sift through, and just a few slots to award. A powerful, well-crafted press kit dramatically increases the chances of getting the gig and catapulting a career; a mediocre kit almost guarantees a quick delete.
(16a) Paying to play shows.
This seems to be mostly happening in hip-hop, where shady promoters actually charge a rapper to open for a larger act or participate in a showcase. But this is absolutely the wrong direction to go, especially since it sacrifices real revenue for ‘exposure’ that they typically can’t afford, while the promoter reaps all the upside.
Avoid these deals at all cost, whatever that cost may be.
(16b) Paying to be mentioned on a show flyer.
Why would you do that? Stop the madness. Right now.
(17) Having a violent audience.
It’s hard enough to attract dedicated fans; it’s almost impossible to choose the fans you have. But fans that routinely start fights, incite violence, or bring weapons to shows can seriously threaten the survival of an artist, simply because venue owners and promoters will avoid this artist at all costs. Which means, effectively, you can’t show up for work.
You must develop a strategy to deal with this problem, or risk choking off a critical revenue source.
terça-feira, 29 de abril de 2014
Inversão de fase na gravação
A inversão de fase significa que (no caso das guitarras desta produção) a soma do som do canal esquerdo ao som do canal direito, resulta em silêncio.
Isso acontece porque enquanto de um lado sucede uma onda positiva, o mesmo som no lado oposto, apresenta uma onda negativa.
Quando se somam, cancelam-se.
Isso acontece porque enquanto de um lado sucede uma onda positiva, o mesmo som no lado oposto, apresenta uma onda negativa.
Quando se somam, cancelam-se.
Pode suceder por vários motivos:
. Os cabos de sinal (de efeitos das guitarras ou de microfones) à esquerda e à direita estão com ligações invertidas.
. Os microfones usados na gravação das guitarras foram colocados numa posição tal que o sinal que chegava a um se apresentava na fase oposta da onda que se apresentava no outro microfone.
. Os cabos de sinal (de efeitos das guitarras ou de microfones) à esquerda e à direita estão com ligações invertidas.
. Os microfones usados na gravação das guitarras foram colocados numa posição tal que o sinal que chegava a um se apresentava na fase oposta da onda que se apresentava no outro microfone.
quinta-feira, 20 de março de 2014
João Cardoso - Six String Thing
Este é o meu primeiro album instrumental que não tenho em forma física, ainda! Mas tenho em mp3, que podem ouvir e se quiserem adquirir em https://joaocardoso.bandcamp.com/album/six-string-thing
Tenho aqui musicas como "The Chums Live Together" e "Ain´t Nothing But A Bubble"
que foram escritas em 1988 , quando ainda nem sabia nem tocava guitarra, mas que andaram sempre no meu "pensamento musical" a faixa "Attic Rock" inspirada no famoso sótão deste blog.
Ouçam e comentem
This is my first album and a culmination of years of writing and playing.
Written and composed on paper between 2009 to 2013.
Recorded, mixed and Mastered between April and October 2013, in my homestudio, somewhere in Sintra, Portugal
credits
released 25 November 2013
João Cardoso - all instruments, vst´s , arrangements, producing, Mixing , Mastering and Graphic Design
domingo, 12 de janeiro de 2014
Frustação Musical (Parte 2)
Você tem que perguntar a si mesmo que você está escrevendo? suas músicas para Quê?. Se você estiver escrevendo peças instrumentais de guitarra complexos , a fim de receber o reconhecimento e elogios de um grande público , parece que por vezes você já tenha encontrado a decepção que leva à expectativa .
Músicos em geral, têm duas características inerentes : um ego, e uma falta de confiança em seu trabalho. O ego pode ser forte e evidente , para esconder a falta de confiança, mas a falta de confiança leva a uma necessidade desesperada de aprovação para alimentar o ego. Ele sempre volta para o ego.
Assim , os músicos raramente se preocupam com seus longos e instrumentais de guitarra complicado , porque eles tendem a ser mais preocupados com seus próprios longos, instrumentais de guitarra complicados. E toda a gente que não é um músico ativo, não se preocupa com os seus longos e instrumentais de guitarra complicados , porque eles querem ouvir letras, vocais, uma melodia clara e definida , um coro , repetições e familiaridade. Você está trabalhando em uma área muito específica , com uma multidão muito específico.
Musica é expressão e a musica é sua, o que importa é você gostar, se você achar legal colocar o solo na musica inteira coloque-o, não vai nessa onda de '' iriam dizer '', faz oque você gostar que alguém vai dar valor, pode ter certeza.
primeiro: musicos conseguem se auto analisar sim. quando vc termina uma musica, fique uma semana sem ouvir ela, bem longe dela, e depois volte pra escuta-la. assim voce desintoxica seu cerebro, e ele meio que esquece a musica; desso modo da pra analisar de uma boa.
segundo: geralmente os famosos sao os que nao desistiram. da uma passeada pelo youtube, e verá que tem musicas monstruosamente boas com cem exibições, enquanto tem outras nem tao boas com milhoes. de vez em quando vejo umas composições que me dao até vergonha de comparar com as minhas. mas continuo.
terceiro: a musica é sua, voce faz o que quer. mesmo se vc montar uma musica de um acorde só, e ficar tocando uma mesma nota como solo, ela é sua. nao ligue pra criticas, use-as a seu favor.
se for postar aqui, ou em qualquer lugar, é pra escutar opinião dos outros. tanto como meros ouvintes ou como criticos. nao espere sempre um 'que musica linda'', tampouco um ''que musica horrivel''. apenas poste quando estiver satisfeito. se voce gostou da sua musica, outras vão gostar. pode ter certeza.
Assim , os músicos raramente se preocupam com seus longos e instrumentais de guitarra complicado , porque eles tendem a ser mais preocupados com seus próprios longos, instrumentais de guitarra complicados. E toda a gente que não é um músico ativo, não se preocupa com os seus longos e instrumentais de guitarra complicados , porque eles querem ouvir letras, vocais, uma melodia clara e definida , um coro , repetições e familiaridade. Você está trabalhando em uma área muito específica , com uma multidão muito específico.
Musica é expressão e a musica é sua, o que importa é você gostar, se você achar legal colocar o solo na musica inteira coloque-o, não vai nessa onda de '' iriam dizer '', faz oque você gostar que alguém vai dar valor, pode ter certeza.
primeiro: musicos conseguem se auto analisar sim. quando vc termina uma musica, fique uma semana sem ouvir ela, bem longe dela, e depois volte pra escuta-la. assim voce desintoxica seu cerebro, e ele meio que esquece a musica; desso modo da pra analisar de uma boa.
segundo: geralmente os famosos sao os que nao desistiram. da uma passeada pelo youtube, e verá que tem musicas monstruosamente boas com cem exibições, enquanto tem outras nem tao boas com milhoes. de vez em quando vejo umas composições que me dao até vergonha de comparar com as minhas. mas continuo.
terceiro: a musica é sua, voce faz o que quer. mesmo se vc montar uma musica de um acorde só, e ficar tocando uma mesma nota como solo, ela é sua. nao ligue pra criticas, use-as a seu favor.
se for postar aqui, ou em qualquer lugar, é pra escutar opinião dos outros. tanto como meros ouvintes ou como criticos. nao espere sempre um 'que musica linda'', tampouco um ''que musica horrivel''. apenas poste quando estiver satisfeito. se voce gostou da sua musica, outras vão gostar. pode ter certeza.
segunda-feira, 30 de dezembro de 2013
Guitarra desentonada, como regular?
Já deve ter acontecido a alguem...
Porque é que ninguem me disse isso antes?!?!
Pois os meus solos não "soavam" estavam fora do "tom"
Fazia tudo certinho, e vinha sempre alguem dizer que a coisa não soa.
Afinar é uma coisa entonar é outra. basicamente tens as oitavas desafinadas.
As oitavas veem-se no 12ª traste, a nota premida ai deve ser igual á corda solta. deves afinar essas oitavas na ponte da guitarra.
As oitavas veem-se no 12ª traste, a nota premida ai deve ser igual á corda solta. deves afinar essas oitavas na ponte da guitarra.
Esta aqui um exemplo basico, para fazerem em casa , pois os profissionais que fazem este tipo de trabalho costumam "comer muitas pastilhas elasticas"
terça-feira, 17 de setembro de 2013
Guia para masterizar sua própria música
Segue uma tradução que eu fiz do texto em http://tarekith.com/assets/mastering.html .
Guia para Masterizar sua Própria Música
v2.0
24 de Outubro de 2011
By Tarekith
Prefácio: A versão original desse guia de masterização foi de longe o guia de produção que eu escrevi mais baixado e compartilhado, mesmo que o público-alvo fosse o de músicos “iniciantes”. Conforme o tempo passou e eu comecei a fazer masterizações como parte do meu emprego de tempo integral, ele também levantou várias questões de usuários mais avançados. Então eu senti que era hora de atualizá-lo e também de abordar novas ideias. Espero que essa nova versão seja tão útil quanto a original, e que músicos e produtores de todos os níveis continuem a se beneficiar desse texto.
Estou escrevendo isso porque sempre ouço as mesmas perguntas:”Como eu nasterizo minha música?” ou “Você poderia recomendar bons plugins de masterização?”. Mais e mais as pessoas estão aprendendo os prós e os contras dos seus home studios, e eventualmente começam a finalizar músicas e percebem que elas não soam tão boas ou tão ‘polidas’ como as que elas ouvem em CDs ou em músicas compradas em lojas digitais.
Então, o que é masterização? Surpreendentemente, pode ser muitas coisas, dependendo das necessidades ou do formato que você lança sua música. Alguns exemplos de coisas que normalmente são feitas no processo de masterização incluem:
Tornar o som de todas as músicas no CD coeso.
Preparar a música de forma que não fique muito baixa, ou mais importante nos dias atuais, não muito alta.
O controle de qualidade para projetos indo para uma casa de replicação.
Um par de ouvidos experiente e novo para ajudar a encontrar o balanço geral de frequências numas músicas.
E mais recentemente, uma chance de interagir com um engenheiro de áudio com mais experiência e ter um feedback das qualidades sonoras de suas produções conforme elas vão ficando mais próximas de serem concluídas.
Em geral, porém, penso que o que a maioria das pessoas quer atingir no estágio da masterização das suas próprias músicas é: obter o nível geral da música correto(quão alto ou quão baixo está), e atingir um bom balanço das frequências na música (garantir que ela não esteja brilhante de mais ou com grave demais, por exemplo).
É claro, como alguém que vive de masterizar a música dos outros, minha primeira sugestão sobre a melhor forma de atingir isso é deixar alguém com o equipamento adequado e bastante experiência lidar com isso. Um engenheiro de masterização profissional não apenas tem a monitoração apropriada e um estúdio acusticamente tratado para masterização, mas mais importante, tem uma opinião não tendenciosa. Para muitos hoje em dia, é a única hora desde o início da música até o seu lançamento onde vão poder trabalhar com alguém que pode oferecer um par de ouvidos críticos para ajudá-los a moldar e apresentar sua música da melhor forma possível.
Mas, se você está lendo isso, as chances são de que você realmente queira fazer isso, ou não possa pagar o serviço profissional de masterização. Como então masterizar suas próprias músicas, e que ferramentas você precisa para fazer esse trabalhos?
Primeiro, gostaria de dizer que duas coisas sempre serão verdade a respeito da masterização:
Equipamento especializado de masterização quase sempre dará resultados melhores do que você consegue com sua DAW (Digital Audio Workstation). Ferramentas de processamento de áudio projetadas para masterização vão muito provavelmente soar mais claras e introduzir menos artefatos que um plugin gratuito ou incluído já na sua DAW. Sempre há exceções, mas essa é a situação geral.
Ouvidos experientes e treinados vão sempre te dar melhores resultados que apenas o melhor equipamento. Isso é, um engenheiro de masterização irá ser capaz de obter sempre bons resultados, não importa o equipamento que ele use.
Para mim, isso significa uma coisa. Se tornar bom em masterização (ou qualquer coisa, de fato) irá demandar muita prática, e ter ferramentas de boa qualidade irá certamente ajudar. Na falta dessas duas coisas, existe uma forma final de lidar com a situação: por tentativa e erro. Para mim, é uma forma de prática também, porém, isso significa que que realmente não existe uma ferramenta mágica que irá fazer suas produções brilharem. Se você quer que suas faixas fiquem em pé de igualdade com outras músicas produzidas profissionalmente, então você precisa investir não somente nas ferramentas certas, mas também em VERDADEIRAMENTE aprender quando e como utilizá-las.
Onde começar então?
A primeira coisa a ser observada é o seu ambiente de monitoração. Ter bons monitores é somente parte do processo de ter consciência que você está ouvindo tudo na música com algum tipo de exatidão. Bons monitores não apenas reproduzem os níveis mais graves e mais agudos corretamente. Eles também tem amplificadores claros e capazes de reagir instantaneamente e produzir a força necessária para replicar os transientes mais nítidos, na maior faixa dinâmica possível. Eles trazem uma imagem impecável do som, revelam a verdadeira profundidade do espaço na música, o que é necessário para determinar quando há muito reverb, quando os instrumentos foram colocados de forma muito a direita ou a esquerda no campo panorâmico, desequilibrando a mixagem, ou quando existe muita informação estéreo e pouco informação no centro da mixagem para fornecer uma base sólida, ou vice-versa.
Porém, na minha opinião, mais importante ainda é o modo que o som dos seus monitores interage com a sua sala. Os melhores monitores do mundo podem soar terríveis se sua sala está influindo na sua audição de forma negativa. Não vou me aprofundar na questão da acústica aqui, mas se você está trabalhando numa sala pequena, sem tratamento acústico (i.e. difusores, bass traps, algo para contrapor a reflexões de primeira ordem, etc) você já está começando com coisas contra você. Como o tratamento acústico pode ser um processo caro, eu vou assumir que a maior parte de vocês não o tem, o que significa que vocês precisam de um plano B.
A melhor forma de minimizar as limitações acústicas é gerantir que você ouviu a sua música em tantos falantes e sistemas de som quanto for possível. Ouça a sua música em fones de ouvido, no seu iPod, no homesystem da sua casa, no rádio da sua cozinha, nos homesystems dos seus amigos (5 ou 6 meses depois eles te odiarão por isso, a propósito), etc. Aprenda como correlacionar o que você ouve no seu homestudio com a forma que sua música soa em outros lugares.
Por exemplo, preste atenção em coisas como baixo ou o bumbo. Se soa bem no seu estúdio, mas você repara que está muito grave em outros lugares, então você sabe que precisa compensar isso em casa. Então você mixa com o grave soando um pouco mais fraco em casa, mas quando você testar na maior parte dos outros lugares, ele está legal. O alvo não é deixá-lo soando perfeito em todos os lugares que conseguir (mas parabéns se você conseguir!), mas para minimizar quaisquer problemas de som em tantos lugares quanto for possível. Você deve ser capaz de ouvir os principais instrumentos soando claramente, sem nada se destacando por estar alto ou baixo de mais.
Não é tão simples assim, você precisa aprender isso para todos o espectro de frequência; os médios, os agudos, os médio-graves, etc. Lentamente você irá começar a ouvir as deficiências no seu studio e na sua monitoração, e aprender a compensá-las. Isso leva MUITO tempo. Não é algo que você faça em um dia, em um fim de semana, ou mesmo em alguns meses. Você precisa treinar os seus ouvidos e praticar a sempre ouvir o balanço geral do que você ouve, e depois testar contra aquilo que você ouve no seu estúdio. O que é pior, comprar falantes melhores, uma nova placa de som, ou mesmo fazer algum tipo de tratamento acústico muda esse equilíbrio mais uma vez, e você precisa começar o processo todo de novo.
Sem a sala adequada e o equipamento adequado, Esse é o único meio de você saber o que está realmente acontecendo na sua música: por tentativa e erro. A parte boa é que se você pode comprar monitores melhores ou melhorar a acústica, então esse processo acontece MUITO mais facilmente. Mas no meio tempo, embora não seja o ideal, você pode alcançar bons resultados com prática e perseverança. Ouvindo suas produções apenas no seu home studio, você nunca irá realmente saber como o resto do mundo realmente ouve a sua música.
“Sim, sim”, eu ouço você reclamando, “mas como eu masterizo minhas músicas?”
Sendo curto e grosso, você não masteriza.
Por que?
Deixe me dizer isso de novo, no caso de você ter pulado. Se você está escrevendo e lançando suas próprias músicas, não há razão para masterizá-las.
Tudo o que você precisa para deixar uma música polida e balanceada deve ser feita na mixagem, e é aí onde você deve colocar 100% da sua atenção.. Existe apenas uma exceção, e isso é colocar o volume da música em par com os padrões atuais, e eu vou voltar nesse item mais tarde..
Uma música com bom som raramente precisa de muito trabalho feito pelo engenheiro de masterização. Esse deveria ser o seu alvo. Colocar coisas como compressor multi-banda, equalização agressiva, aural exciters, sonic maximizers e coisas do tipo em sua música já mixada é o jeito ERRADO de consertar as coisas que você ouve. Essas ferramentas foram criadas para dar mais flexibilidade a engenheiros de masterização quando eles não podiam se dar ao luxo de corrigir os elementos originais da música. Eles eram forçados a trabalhar em um arquivo estéreo da música, e não podiam ajustar nada na mixagem.
Essas ferramentas foram criadas para os RAROS momentos quando eles precisavam ajustar algo que uma equalização simples ou compressão não conseguisse consertar. Infelizmente, o marketing dos fabricantes de plugins, junto com um pouco de lenda urbana, fazem com que essas ferramentas pareçam essenciais ao processo de masterização. Os melhores engenheiros de masterização do mundo raramente usam coisas como “mastering reverb”, compressão multi-banda, aural exciters, ou mesmo equalizadores de fase linear. Eles não aplicaram um filtro high-pass (ou ainda pior, um low-pass) na música. Essas sâo ferramentas que temos a disposição para casos muitos específicos, e normalmente muito raros.
É também importante entender que não existe algo como um TEMPLATE PADRÃO DE MASTERIZAÇÃO. Cada música é diferente, e cada música pode ou não requerer ferramentas diferentes de processamento para soar da melhor forma possível. Só porque você tem as ferramentas, não significa que vocês as precisa usar o tempo todo. Ouça a música, e aplique apenas o processamento que você pessoalmente OUVE a necessidade. E se você está masterizando sua própria música, você tem a luxúria de voltar na sua DAW e ajustar os problemas na fonte, na mixagem, entâo faça isso!
Por exemplo, algumas coisas que seria melhor você ajustar a mixagem ao invés de tentar ajustar algo na masterização:
Se a música tem muito grave, volte para a parte do baixo e do bumbo e adicione um pouco de equalização para amaciar apenas essas partes.
Se soa muito mono e no centro, comece a aplicar o pan em alguns instrumentos até obter um som mais amplo. Adicione algum chorus ou delay estéreo em uma parte para torná-la ainda maior. Tenha cuidado para não exagerar, especialmente se você somente ouve em fones de ouvidos. Verifique sua mixagem em mono se você puder, e também assegure que nenhum dos seus instrumentos principais esteja muito de um lado apenas.
Se sua música soa plana e sem brilho, salve uma cópia da música e tire todos os efeitos e equalização que você adicionou nas suas tentativas anteriores de mixagem e comece de novo. Eu diria que 90% do fenômeno “sem brilho” acontece porque as pessoas usam ferramentas que elas não entendem. Contrariando todas as revistas populares os arquivos “Como Fazer” que você possar ter lido, você não precisa de compressão em todos as faixas, especialmente para música eletrônica. Muitas vezes você precisa apenas de 1 ou 2 compressores no total para uma música, se chegar a isso.
A melhor maneira de ter uma mixagem brilhante não é sobrecarregar nos efeitos, e tentar obter uma mixagem equilibrada usando apenas os controles de volume primeiro. É também importante perceber que isso requer muita prática (e isso significa anos e anos), então mesmo que você faça tudo o que eu disse acima, produções que estejam num nível de competir com os seus produtores favoritos não vão acontecer da noite pro dia.
Tenha paciência. Lembre-se que música não é uma disputa. Continue experimentando em casa no seu tempo livre, e eventualmente você irá conseguir. Ninguém esperaria ser tão bom como o Jimi Hendrix em uma semana de estudo de guitarra, e fazer as produções soar bem requer um esforço semelhante. Paciência!
O ponto de tudo isso é simples, se você está produzindo suas próprias músicas e ninguém mais irá trabalhar nelas, você deveria focar seus esforços em faze-la soar bem na mixagem. Queime cópias da música mixada é fique com ela por uma semana, enquanto você a toca em tantos sistemas de som quanto forem possíveis. Sempre empenhe-se em ter a música mixada soando bem antes de pensar no processo de masterização. A música mixada deve soar exatamente como você quer que soe. Não existem ferramentas mágicas qye vão tornar isso melhor na masterização. De longe, você tem muito mais opções, para não mencionar opções mais transparentes, quando você procura tratar qualquer coisa que você ouça no processo de mixagem.
Aqui está um guia que eu escrevi sobre mixagens que pode oferecer outras dicas pra você:
http://tarekith.com/assets/mixdowns.html
Quando a sua mixagem está balanceada do jeito que você quer, então a única coisa que você irá perceber ao ouvir sua música em vários sistemas de som é que ela está um pouco mais baixa do que você gostaria. Isso está certo quando você está testando a mixagem, apenas aumente o volume do equipamento de execução para compensar por enquanto.
NÃO SE PREOCUPE COM O VOLUME DA MÚSICA ATÉ QUE O PROCESSO DE MIXAGEM ESTEJA CONCLUÍDO.
Fazer isso antes é apenas distrair-se do que é importante, e confie em mim, é geralmente tão fácil de consertar que você não precisa se preocupar com issot. Quando você estiver fazendo sua mixagem, garanta que os níveis dos picos no canal master na sua DAW estejam por volta de -6dBFS, apenas para que você tenha algum headroom para evitar a clipagem. Então apenas aumente o volume do equipamento de execução para deixar mais alto quando estiver testando a mixagem.
Aqui está outro guia que eu escrevi que trata mais profundamente dos assuntos de níveis de áudio digital e medição, para aqueles que querem mais informação:
http://tarekith.com/assets/Leveling.html
Ok, então você finalmente está feliz com a forma que sua música soa. Você ouviu ela por uma porção de semanas em múltiplos sistemas (sim, ouviu) e você acha que está perfeito do jeito que está. Bom, exceto pelo fato que ainda está muito baixo, certo? Nesse ponto, você precisa apenas usar um limiter gentilmente para aumentar o volume geral. A palavra-chave aqui é gentilmente. Músicas demais nesses últimos tempos estão super limitadas pelo bem do volume ‘aparente’, especialmente música eletrônica. Pesquise no google por “loudness wars” se você quer realmente saber mais sobre isso.
Existem duas formas de lidar com essa limitação? Ou colocando um limiter na track master da sua DAW e então renderizando o arquivo final masterizado, ou renderizando a mixagem e então aplicando o limiter em outro aplicativo, como o Wave Editor, Soundforge, Peak, Wavelab, ou mesmo na mesma DAW que você usou pra compor a música. O resultado deve soar o mesmo, não importa qual método você escolher, então isso está aberto as suas preferências de trabalho. E se você tem poder de processamento suficiente para usar um limiter de qualidade na sua DAW. Se você vai usar outra aplicação para masterizar, renderize a sua faixa mixada como um arquivo de 24 bits (você sempre deveria usar 24 bits, de toda forma) e verifique que as funções de normalização ou dithering estejam desabilitadas.
Com seu melhor limiter, coloque o release para auto, se houver essa opção e coloque o nível de saída para -0.3dBFS. Então diminua o threshold até que os picos mais altos de sua música estejam sendo limitados em cerca de 3dB’s, que você vai ver no medidor de gain reduction. E eu quero dizer apenas as partes mais altas da música. O medidor de GR deve apenas piscar um pouco em 3dB idealmente.
Se sua mixagem foi bem feita e balanceada, você deve estar bem perto do nível que deseja estar. Irá soar bem competitivo com a maioria da música que você ouve por aí, ao menos em termos de volume. Provavelmente um pouco mais baixo, mas as outras músicas é que estão altas demais, certo? :)
Ir além disso em termos de volume é onde a experiência mostra o seu valor. Algumas vezes você pode limitar transparentemente com mais de 3dB de gain reduction ao limitar, mas você irá precisar de uma cadeia de monitoração muito precisa para ser capaz de reconhecer aquele momento em que você está fazendo mais mal do que bem. Quando em dúvida, erre pelo lado da precaução e use menos limitação
Se você quer experimentar e aumentar o volume ainda mais, aqui está dois pequenos conselhos que eu ofereço:
tenha cuidado para não cair na armadilha de pensar que as coisas estão melhorando só porque você ouve o som mudar ao girar um knob ou subir o nível de um fader. É muito fácil para as pessoas mudarem alguma configuração no seu processamento de dinâmica (compressor, limiter, etc) e quando percebem que o som da música alterou com a mudança desse parâmetro, acham que isso instantaneamente deixou a música melhor, apenas porque soa diferente do que estava antes. Só porque a música soa mais alta agoa, não significa que soe melhor. Sempre teste e faça comparações com as versões no mesmo volume de execução que você consegue, já que isso pode revelar qual das versões soa realmente melhor.
Não pratique essas técnicas ao preparar uma nova música para lançamento. É melhor pegar algumas horas no dia para experimentar em algumas mixagens antigas que você tenha, ou talvez até mesmo em algo de um amigo. Quando você está aprendendo esse tipo de coisa, você acaba cometendo erros que não percebe facilmente, assim como todo mundo que inicia nesse processo comete. Então, não use uma música que você está prestes a lançar para mostrar esses erros. Ao invés disso, erre do lado da precaução como eu disse acima, use menos limitação e aproveite o período de aprendizagem para que ninguém ouça os erros que você cometer. Leva um bom tempo para aprender a fazer esse tipo de coisa bem, então vá devagar, sem cobrar demais de si mesmo.
E como muitas pessoas me perguntam toda semana os limiters de masterização que eu gosto de usar agora são o Fabfilter Pro-L, Voxengo Elephant 3, e PSP Xenon. Qual deles eu uso depende da música e do que eu penso que ela precisa, já que todos eles reagem diferentemente ao som.
Ok, então você conseguiu o balanço espectral da sua música e você conseguiu o nível de volume que queria, o que vem a seguir? A última coisa a fazer ao terminar sua música é aplicar o dither. Dither é usado ao converter arquivos de 24bits (or mais alto) para 16 bits para CD ou conversão em MP3. Você deve inserir o plugin de dither APÓS o limiter, sempre no ÚLTIMO passado do processo.
Se o seu plugin de limitação tem a função de dithering embutida (e a maioria tem agora), isso será tratado corretamente pra você pelo plugin. A maior parte dos plugins licencia seus algoritmos de dithering dos mesmos fabricantes, então você frequentemente vai ver as mesmas opções de dithering – UV22HR, MBIT+, e POW-r em vários plugins. UV22Hr e MBIT+ tipicamente não tem quaisquer configurações para o usuário mudar, enquando o dithering POW-r vem em 3 diferentes variedades. Para a maior parte das pessoas, POW-r2 é provavelmente a versão que irá funcionar melhor na maioria dos estilos musicais.
Tenha em mente que enquanto o dithering é um importante processo que pode ajudar a conversão de 24bits para 16bit soar melhor, é também um dos processos menos audíveis que você pode aplicar num arquivo de áudio. Então, aplique o dithering ao renderizar o seu master, mas não se preocupe muito em qual versão de dithering escolher.
Se você quer alguns exemplos em áudio do que o dithering faz, aqui tem alguns que eu fiz:
http://tarekith.com/assets/ditherexamples.zip
Você pode ouvir como a versão com dithering chega ao momento de silêncio mais tranquilamente que a versão truncada, em troca de algum ruído adicionado. Esses exemplos foram amplificados BASTANTE para tornar o efeito mais audível, normalmente esse tipo de coisa é extremamente baixo, por volta de -94dBFS. Como eu disse, é muito sutil.
Então, é mais ou menos isso. Renderize sua música em um arquivo de 16bit/44.1kHz wav, queime o CD ou converta pra MP3, e você terminou! Espero que eu tenha deixado claro que geralmente não é necessário uma cadeia complicada de masterização, ou ferramentas multi-banda extravagantes ao masterizar suas próprias músicas. Você irá atingir resultador MUITO, MUITO melhores se você mexe o menos possível na sua música após a mixagem estar concluída.
Ao invés disso, foque em ter tudo o som correto na fase de mixagem, e trate a fase de masterização simplesmente como uma chance ter o volume geral da música aumentado um pouco. Não precisa ser um processo muito complicado quando pessoas estão preparando o seu próprio material, é somente quando pessoas como eu (engenheiros de masterização em tempo integral) tem de lidar com a música de outras pessoas que o processo pode se tornar complicado, e acabamos precisando usar algumas dessas ferramentas.
Eu espero que isso tenha ajudado alguns de vocês, apesar que se voê preferir alguém para masterizar suas músicas, você pode me contatar em http://innerportalstudio.com
Guia para Masterizar sua Própria Música
v2.0
24 de Outubro de 2011
By Tarekith
Prefácio: A versão original desse guia de masterização foi de longe o guia de produção que eu escrevi mais baixado e compartilhado, mesmo que o público-alvo fosse o de músicos “iniciantes”. Conforme o tempo passou e eu comecei a fazer masterizações como parte do meu emprego de tempo integral, ele também levantou várias questões de usuários mais avançados. Então eu senti que era hora de atualizá-lo e também de abordar novas ideias. Espero que essa nova versão seja tão útil quanto a original, e que músicos e produtores de todos os níveis continuem a se beneficiar desse texto.
Estou escrevendo isso porque sempre ouço as mesmas perguntas:”Como eu nasterizo minha música?” ou “Você poderia recomendar bons plugins de masterização?”. Mais e mais as pessoas estão aprendendo os prós e os contras dos seus home studios, e eventualmente começam a finalizar músicas e percebem que elas não soam tão boas ou tão ‘polidas’ como as que elas ouvem em CDs ou em músicas compradas em lojas digitais.
Então, o que é masterização? Surpreendentemente, pode ser muitas coisas, dependendo das necessidades ou do formato que você lança sua música. Alguns exemplos de coisas que normalmente são feitas no processo de masterização incluem:
Tornar o som de todas as músicas no CD coeso.
Preparar a música de forma que não fique muito baixa, ou mais importante nos dias atuais, não muito alta.
O controle de qualidade para projetos indo para uma casa de replicação.
Um par de ouvidos experiente e novo para ajudar a encontrar o balanço geral de frequências numas músicas.
E mais recentemente, uma chance de interagir com um engenheiro de áudio com mais experiência e ter um feedback das qualidades sonoras de suas produções conforme elas vão ficando mais próximas de serem concluídas.
Em geral, porém, penso que o que a maioria das pessoas quer atingir no estágio da masterização das suas próprias músicas é: obter o nível geral da música correto(quão alto ou quão baixo está), e atingir um bom balanço das frequências na música (garantir que ela não esteja brilhante de mais ou com grave demais, por exemplo).
É claro, como alguém que vive de masterizar a música dos outros, minha primeira sugestão sobre a melhor forma de atingir isso é deixar alguém com o equipamento adequado e bastante experiência lidar com isso. Um engenheiro de masterização profissional não apenas tem a monitoração apropriada e um estúdio acusticamente tratado para masterização, mas mais importante, tem uma opinião não tendenciosa. Para muitos hoje em dia, é a única hora desde o início da música até o seu lançamento onde vão poder trabalhar com alguém que pode oferecer um par de ouvidos críticos para ajudá-los a moldar e apresentar sua música da melhor forma possível.
Mas, se você está lendo isso, as chances são de que você realmente queira fazer isso, ou não possa pagar o serviço profissional de masterização. Como então masterizar suas próprias músicas, e que ferramentas você precisa para fazer esse trabalhos?
Primeiro, gostaria de dizer que duas coisas sempre serão verdade a respeito da masterização:
Equipamento especializado de masterização quase sempre dará resultados melhores do que você consegue com sua DAW (Digital Audio Workstation). Ferramentas de processamento de áudio projetadas para masterização vão muito provavelmente soar mais claras e introduzir menos artefatos que um plugin gratuito ou incluído já na sua DAW. Sempre há exceções, mas essa é a situação geral.
Ouvidos experientes e treinados vão sempre te dar melhores resultados que apenas o melhor equipamento. Isso é, um engenheiro de masterização irá ser capaz de obter sempre bons resultados, não importa o equipamento que ele use.
Para mim, isso significa uma coisa. Se tornar bom em masterização (ou qualquer coisa, de fato) irá demandar muita prática, e ter ferramentas de boa qualidade irá certamente ajudar. Na falta dessas duas coisas, existe uma forma final de lidar com a situação: por tentativa e erro. Para mim, é uma forma de prática também, porém, isso significa que que realmente não existe uma ferramenta mágica que irá fazer suas produções brilharem. Se você quer que suas faixas fiquem em pé de igualdade com outras músicas produzidas profissionalmente, então você precisa investir não somente nas ferramentas certas, mas também em VERDADEIRAMENTE aprender quando e como utilizá-las.
Onde começar então?
A primeira coisa a ser observada é o seu ambiente de monitoração. Ter bons monitores é somente parte do processo de ter consciência que você está ouvindo tudo na música com algum tipo de exatidão. Bons monitores não apenas reproduzem os níveis mais graves e mais agudos corretamente. Eles também tem amplificadores claros e capazes de reagir instantaneamente e produzir a força necessária para replicar os transientes mais nítidos, na maior faixa dinâmica possível. Eles trazem uma imagem impecável do som, revelam a verdadeira profundidade do espaço na música, o que é necessário para determinar quando há muito reverb, quando os instrumentos foram colocados de forma muito a direita ou a esquerda no campo panorâmico, desequilibrando a mixagem, ou quando existe muita informação estéreo e pouco informação no centro da mixagem para fornecer uma base sólida, ou vice-versa.
Porém, na minha opinião, mais importante ainda é o modo que o som dos seus monitores interage com a sua sala. Os melhores monitores do mundo podem soar terríveis se sua sala está influindo na sua audição de forma negativa. Não vou me aprofundar na questão da acústica aqui, mas se você está trabalhando numa sala pequena, sem tratamento acústico (i.e. difusores, bass traps, algo para contrapor a reflexões de primeira ordem, etc) você já está começando com coisas contra você. Como o tratamento acústico pode ser um processo caro, eu vou assumir que a maior parte de vocês não o tem, o que significa que vocês precisam de um plano B.
A melhor forma de minimizar as limitações acústicas é gerantir que você ouviu a sua música em tantos falantes e sistemas de som quanto for possível. Ouça a sua música em fones de ouvido, no seu iPod, no homesystem da sua casa, no rádio da sua cozinha, nos homesystems dos seus amigos (5 ou 6 meses depois eles te odiarão por isso, a propósito), etc. Aprenda como correlacionar o que você ouve no seu homestudio com a forma que sua música soa em outros lugares.
Por exemplo, preste atenção em coisas como baixo ou o bumbo. Se soa bem no seu estúdio, mas você repara que está muito grave em outros lugares, então você sabe que precisa compensar isso em casa. Então você mixa com o grave soando um pouco mais fraco em casa, mas quando você testar na maior parte dos outros lugares, ele está legal. O alvo não é deixá-lo soando perfeito em todos os lugares que conseguir (mas parabéns se você conseguir!), mas para minimizar quaisquer problemas de som em tantos lugares quanto for possível. Você deve ser capaz de ouvir os principais instrumentos soando claramente, sem nada se destacando por estar alto ou baixo de mais.
Não é tão simples assim, você precisa aprender isso para todos o espectro de frequência; os médios, os agudos, os médio-graves, etc. Lentamente você irá começar a ouvir as deficiências no seu studio e na sua monitoração, e aprender a compensá-las. Isso leva MUITO tempo. Não é algo que você faça em um dia, em um fim de semana, ou mesmo em alguns meses. Você precisa treinar os seus ouvidos e praticar a sempre ouvir o balanço geral do que você ouve, e depois testar contra aquilo que você ouve no seu estúdio. O que é pior, comprar falantes melhores, uma nova placa de som, ou mesmo fazer algum tipo de tratamento acústico muda esse equilíbrio mais uma vez, e você precisa começar o processo todo de novo.
Sem a sala adequada e o equipamento adequado, Esse é o único meio de você saber o que está realmente acontecendo na sua música: por tentativa e erro. A parte boa é que se você pode comprar monitores melhores ou melhorar a acústica, então esse processo acontece MUITO mais facilmente. Mas no meio tempo, embora não seja o ideal, você pode alcançar bons resultados com prática e perseverança. Ouvindo suas produções apenas no seu home studio, você nunca irá realmente saber como o resto do mundo realmente ouve a sua música.
“Sim, sim”, eu ouço você reclamando, “mas como eu masterizo minhas músicas?”
Sendo curto e grosso, você não masteriza.
Por que?
Deixe me dizer isso de novo, no caso de você ter pulado. Se você está escrevendo e lançando suas próprias músicas, não há razão para masterizá-las.
Tudo o que você precisa para deixar uma música polida e balanceada deve ser feita na mixagem, e é aí onde você deve colocar 100% da sua atenção.. Existe apenas uma exceção, e isso é colocar o volume da música em par com os padrões atuais, e eu vou voltar nesse item mais tarde..
Uma música com bom som raramente precisa de muito trabalho feito pelo engenheiro de masterização. Esse deveria ser o seu alvo. Colocar coisas como compressor multi-banda, equalização agressiva, aural exciters, sonic maximizers e coisas do tipo em sua música já mixada é o jeito ERRADO de consertar as coisas que você ouve. Essas ferramentas foram criadas para dar mais flexibilidade a engenheiros de masterização quando eles não podiam se dar ao luxo de corrigir os elementos originais da música. Eles eram forçados a trabalhar em um arquivo estéreo da música, e não podiam ajustar nada na mixagem.
Essas ferramentas foram criadas para os RAROS momentos quando eles precisavam ajustar algo que uma equalização simples ou compressão não conseguisse consertar. Infelizmente, o marketing dos fabricantes de plugins, junto com um pouco de lenda urbana, fazem com que essas ferramentas pareçam essenciais ao processo de masterização. Os melhores engenheiros de masterização do mundo raramente usam coisas como “mastering reverb”, compressão multi-banda, aural exciters, ou mesmo equalizadores de fase linear. Eles não aplicaram um filtro high-pass (ou ainda pior, um low-pass) na música. Essas sâo ferramentas que temos a disposição para casos muitos específicos, e normalmente muito raros.
É também importante entender que não existe algo como um TEMPLATE PADRÃO DE MASTERIZAÇÃO. Cada música é diferente, e cada música pode ou não requerer ferramentas diferentes de processamento para soar da melhor forma possível. Só porque você tem as ferramentas, não significa que vocês as precisa usar o tempo todo. Ouça a música, e aplique apenas o processamento que você pessoalmente OUVE a necessidade. E se você está masterizando sua própria música, você tem a luxúria de voltar na sua DAW e ajustar os problemas na fonte, na mixagem, entâo faça isso!
Por exemplo, algumas coisas que seria melhor você ajustar a mixagem ao invés de tentar ajustar algo na masterização:
Se a música tem muito grave, volte para a parte do baixo e do bumbo e adicione um pouco de equalização para amaciar apenas essas partes.
Se soa muito mono e no centro, comece a aplicar o pan em alguns instrumentos até obter um som mais amplo. Adicione algum chorus ou delay estéreo em uma parte para torná-la ainda maior. Tenha cuidado para não exagerar, especialmente se você somente ouve em fones de ouvidos. Verifique sua mixagem em mono se você puder, e também assegure que nenhum dos seus instrumentos principais esteja muito de um lado apenas.
Se sua música soa plana e sem brilho, salve uma cópia da música e tire todos os efeitos e equalização que você adicionou nas suas tentativas anteriores de mixagem e comece de novo. Eu diria que 90% do fenômeno “sem brilho” acontece porque as pessoas usam ferramentas que elas não entendem. Contrariando todas as revistas populares os arquivos “Como Fazer” que você possar ter lido, você não precisa de compressão em todos as faixas, especialmente para música eletrônica. Muitas vezes você precisa apenas de 1 ou 2 compressores no total para uma música, se chegar a isso.
A melhor maneira de ter uma mixagem brilhante não é sobrecarregar nos efeitos, e tentar obter uma mixagem equilibrada usando apenas os controles de volume primeiro. É também importante perceber que isso requer muita prática (e isso significa anos e anos), então mesmo que você faça tudo o que eu disse acima, produções que estejam num nível de competir com os seus produtores favoritos não vão acontecer da noite pro dia.
Tenha paciência. Lembre-se que música não é uma disputa. Continue experimentando em casa no seu tempo livre, e eventualmente você irá conseguir. Ninguém esperaria ser tão bom como o Jimi Hendrix em uma semana de estudo de guitarra, e fazer as produções soar bem requer um esforço semelhante. Paciência!
O ponto de tudo isso é simples, se você está produzindo suas próprias músicas e ninguém mais irá trabalhar nelas, você deveria focar seus esforços em faze-la soar bem na mixagem. Queime cópias da música mixada é fique com ela por uma semana, enquanto você a toca em tantos sistemas de som quanto forem possíveis. Sempre empenhe-se em ter a música mixada soando bem antes de pensar no processo de masterização. A música mixada deve soar exatamente como você quer que soe. Não existem ferramentas mágicas qye vão tornar isso melhor na masterização. De longe, você tem muito mais opções, para não mencionar opções mais transparentes, quando você procura tratar qualquer coisa que você ouça no processo de mixagem.
Aqui está um guia que eu escrevi sobre mixagens que pode oferecer outras dicas pra você:
http://tarekith.com/assets/mixdowns.html
Quando a sua mixagem está balanceada do jeito que você quer, então a única coisa que você irá perceber ao ouvir sua música em vários sistemas de som é que ela está um pouco mais baixa do que você gostaria. Isso está certo quando você está testando a mixagem, apenas aumente o volume do equipamento de execução para compensar por enquanto.
NÃO SE PREOCUPE COM O VOLUME DA MÚSICA ATÉ QUE O PROCESSO DE MIXAGEM ESTEJA CONCLUÍDO.
Fazer isso antes é apenas distrair-se do que é importante, e confie em mim, é geralmente tão fácil de consertar que você não precisa se preocupar com issot. Quando você estiver fazendo sua mixagem, garanta que os níveis dos picos no canal master na sua DAW estejam por volta de -6dBFS, apenas para que você tenha algum headroom para evitar a clipagem. Então apenas aumente o volume do equipamento de execução para deixar mais alto quando estiver testando a mixagem.
Aqui está outro guia que eu escrevi que trata mais profundamente dos assuntos de níveis de áudio digital e medição, para aqueles que querem mais informação:
http://tarekith.com/assets/Leveling.html
Ok, então você finalmente está feliz com a forma que sua música soa. Você ouviu ela por uma porção de semanas em múltiplos sistemas (sim, ouviu) e você acha que está perfeito do jeito que está. Bom, exceto pelo fato que ainda está muito baixo, certo? Nesse ponto, você precisa apenas usar um limiter gentilmente para aumentar o volume geral. A palavra-chave aqui é gentilmente. Músicas demais nesses últimos tempos estão super limitadas pelo bem do volume ‘aparente’, especialmente música eletrônica. Pesquise no google por “loudness wars” se você quer realmente saber mais sobre isso.
Existem duas formas de lidar com essa limitação? Ou colocando um limiter na track master da sua DAW e então renderizando o arquivo final masterizado, ou renderizando a mixagem e então aplicando o limiter em outro aplicativo, como o Wave Editor, Soundforge, Peak, Wavelab, ou mesmo na mesma DAW que você usou pra compor a música. O resultado deve soar o mesmo, não importa qual método você escolher, então isso está aberto as suas preferências de trabalho. E se você tem poder de processamento suficiente para usar um limiter de qualidade na sua DAW. Se você vai usar outra aplicação para masterizar, renderize a sua faixa mixada como um arquivo de 24 bits (você sempre deveria usar 24 bits, de toda forma) e verifique que as funções de normalização ou dithering estejam desabilitadas.
Com seu melhor limiter, coloque o release para auto, se houver essa opção e coloque o nível de saída para -0.3dBFS. Então diminua o threshold até que os picos mais altos de sua música estejam sendo limitados em cerca de 3dB’s, que você vai ver no medidor de gain reduction. E eu quero dizer apenas as partes mais altas da música. O medidor de GR deve apenas piscar um pouco em 3dB idealmente.
Se sua mixagem foi bem feita e balanceada, você deve estar bem perto do nível que deseja estar. Irá soar bem competitivo com a maioria da música que você ouve por aí, ao menos em termos de volume. Provavelmente um pouco mais baixo, mas as outras músicas é que estão altas demais, certo? :)
Ir além disso em termos de volume é onde a experiência mostra o seu valor. Algumas vezes você pode limitar transparentemente com mais de 3dB de gain reduction ao limitar, mas você irá precisar de uma cadeia de monitoração muito precisa para ser capaz de reconhecer aquele momento em que você está fazendo mais mal do que bem. Quando em dúvida, erre pelo lado da precaução e use menos limitação
Se você quer experimentar e aumentar o volume ainda mais, aqui está dois pequenos conselhos que eu ofereço:
tenha cuidado para não cair na armadilha de pensar que as coisas estão melhorando só porque você ouve o som mudar ao girar um knob ou subir o nível de um fader. É muito fácil para as pessoas mudarem alguma configuração no seu processamento de dinâmica (compressor, limiter, etc) e quando percebem que o som da música alterou com a mudança desse parâmetro, acham que isso instantaneamente deixou a música melhor, apenas porque soa diferente do que estava antes. Só porque a música soa mais alta agoa, não significa que soe melhor. Sempre teste e faça comparações com as versões no mesmo volume de execução que você consegue, já que isso pode revelar qual das versões soa realmente melhor.
Não pratique essas técnicas ao preparar uma nova música para lançamento. É melhor pegar algumas horas no dia para experimentar em algumas mixagens antigas que você tenha, ou talvez até mesmo em algo de um amigo. Quando você está aprendendo esse tipo de coisa, você acaba cometendo erros que não percebe facilmente, assim como todo mundo que inicia nesse processo comete. Então, não use uma música que você está prestes a lançar para mostrar esses erros. Ao invés disso, erre do lado da precaução como eu disse acima, use menos limitação e aproveite o período de aprendizagem para que ninguém ouça os erros que você cometer. Leva um bom tempo para aprender a fazer esse tipo de coisa bem, então vá devagar, sem cobrar demais de si mesmo.
E como muitas pessoas me perguntam toda semana os limiters de masterização que eu gosto de usar agora são o Fabfilter Pro-L, Voxengo Elephant 3, e PSP Xenon. Qual deles eu uso depende da música e do que eu penso que ela precisa, já que todos eles reagem diferentemente ao som.
Ok, então você conseguiu o balanço espectral da sua música e você conseguiu o nível de volume que queria, o que vem a seguir? A última coisa a fazer ao terminar sua música é aplicar o dither. Dither é usado ao converter arquivos de 24bits (or mais alto) para 16 bits para CD ou conversão em MP3. Você deve inserir o plugin de dither APÓS o limiter, sempre no ÚLTIMO passado do processo.
Se o seu plugin de limitação tem a função de dithering embutida (e a maioria tem agora), isso será tratado corretamente pra você pelo plugin. A maior parte dos plugins licencia seus algoritmos de dithering dos mesmos fabricantes, então você frequentemente vai ver as mesmas opções de dithering – UV22HR, MBIT+, e POW-r em vários plugins. UV22Hr e MBIT+ tipicamente não tem quaisquer configurações para o usuário mudar, enquando o dithering POW-r vem em 3 diferentes variedades. Para a maior parte das pessoas, POW-r2 é provavelmente a versão que irá funcionar melhor na maioria dos estilos musicais.
Tenha em mente que enquanto o dithering é um importante processo que pode ajudar a conversão de 24bits para 16bit soar melhor, é também um dos processos menos audíveis que você pode aplicar num arquivo de áudio. Então, aplique o dithering ao renderizar o seu master, mas não se preocupe muito em qual versão de dithering escolher.
Se você quer alguns exemplos em áudio do que o dithering faz, aqui tem alguns que eu fiz:
http://tarekith.com/assets/ditherexamples.zip
Você pode ouvir como a versão com dithering chega ao momento de silêncio mais tranquilamente que a versão truncada, em troca de algum ruído adicionado. Esses exemplos foram amplificados BASTANTE para tornar o efeito mais audível, normalmente esse tipo de coisa é extremamente baixo, por volta de -94dBFS. Como eu disse, é muito sutil.
Então, é mais ou menos isso. Renderize sua música em um arquivo de 16bit/44.1kHz wav, queime o CD ou converta pra MP3, e você terminou! Espero que eu tenha deixado claro que geralmente não é necessário uma cadeia complicada de masterização, ou ferramentas multi-banda extravagantes ao masterizar suas próprias músicas. Você irá atingir resultador MUITO, MUITO melhores se você mexe o menos possível na sua música após a mixagem estar concluída.
Ao invés disso, foque em ter tudo o som correto na fase de mixagem, e trate a fase de masterização simplesmente como uma chance ter o volume geral da música aumentado um pouco. Não precisa ser um processo muito complicado quando pessoas estão preparando o seu próprio material, é somente quando pessoas como eu (engenheiros de masterização em tempo integral) tem de lidar com a música de outras pessoas que o processo pode se tornar complicado, e acabamos precisando usar algumas dessas ferramentas.
Eu espero que isso tenha ajudado alguns de vocês, apesar que se voê preferir alguém para masterizar suas músicas, você pode me contatar em http://innerportalstudio.com
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